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Vista desde fuera, A Man For All Seasons podría calificar como otro más entre tantos dramas de época, diseñados por Hollywood para una gran audiencia ávida de bellos trajes y ambientaciones suntuosas, pero los designios de Robert Bolt -autor de la obra de teatro original y guionista de este filme- son otros: la historia del combate que Sir Thomas More contra los designios del rey Enrique VIII, y que lo lleva a enfrentarse contra diversos recaderos, funcionarios, dignatarios e incluso el propio monarca, en su tiempo fue leído como un espléndido relato del "hombre y sus principios contra la máquina del poder"; hoy, a medio siglo de distancia, emerge como un esfuerzo supremo del impulso de filmar el pasado para iluminar los problemas y las tragedias del presente. De eso y más se habla en este episodio del podcast.

Robert Towne escribió el que es considerado un guion perfecto, y que funciona como eje para muchas cuerdas que hacen de esta cinta un clásico absoluto. Un film noir postmoderno, pomposo y colorido que se para en los hombros de Vértigo para declarar su amor por otra ciudad -Los Angeles-; y su obsesión con el trauma de la mujer que se va. A ello se suma el interés de Polanski por la puesta en escena con que suele desplegarse el mal, y el empeño de Nicholson de hacer que su cara sea la máscara perfecta para un personaje que aun así no es capaz de mentir ni violar sus propios códigos. De esto y más hablamos en el podcast.

El primer largometraje de Radu Jude es un drama histórico, pero que uno que no busca contar un gran hecho ni pintar el retrato de un gran personaje, sino usar una anécdota minúscula capaz de contener las relaciones de poder y de producción feudales sobrevivientes en el S. XIX rumano. Los diálogos exponen hechos, pero sobre todo la ideología que recubre un sistema que se ve lejano y cercano al mismo, pero sobre todo aberrante. Y logra todo esto sin activismo ni estridencia, mientras muestra en cámara la evolución de una conciencia que no se va a detener. De eso y más hablamos en el podcast.

Crisol de una era perdida, alambicada fantasía, vehículo para dos grandes actores (y estrellas de cine), fascinante recreación del pasado... La novena cinta de Quentin Tarantino es todas esas cosas y una montaña de otras, pero -para los efectos de este podcast- nos interesa como exploración consciente de un mundo al que no se puede volver, pero que de alguna forma se puede cambiar. La otra hebra clave aquí es la que se teje en torno a Cliff Booth, una de las más acabadas criaturas imaginadas por QT y al mismo un personaje tan diáfano como misterioso, tan abordable como fuera de alcance. De eso y otras cosa se habla en este episodio.

Tras ganar Venecia -aunque no necesariamente por las razones correctas-, se generó en el mundo cinéfilo una ávida curiosidad por esta cinta que podía mantener el puente entre "el cine" y la producción en torno a los superhéroes, caracterizada por sus críticos más respetuosos (como Scorsese), "algo distinto del cine". ¿Lo logra? Sí, en parte; sin ser una obra maestra, usa elementos del género para tratar con cierta gracia la transformación de una persona con problemas mentales en un sociópata extremo al borde la monstruosidad. Aunque, claro, mucho de lo que logró en repercusión se debe a que tiene detrás suyo la tenebrosa sombra del murciélago.

#387 Killer of Sheep (1977) y My Brother's Wedding (1983), de Charles Burnett by Civilcinema

La actriz protagonista y guionista de Fleabag creó un personaje extremo, dentro –eso sí- de un entorno burgués en la próspera y cosmopolita Londres. Propensa al desastre, irónica y cínica, le habla a los espectadores como si fueran un público ficticio creado para acallar su neurosis y para ocultarles la vergüenza que sabe que debería sentir. Fleabag no tiene nombre sino un apodo que puede convertirse en un apelativo genérico para el tipo humano retratado, muy femenino y muy británico, y que sin embargo a (muchos) ratos parecemos entenderlo perfectamente. De esto y más trata este podcast.

Antes que los zombies y antes que los pájaros, el enjambre aterrador adquirió su forma canónica con esta alegoría del temor al carisma comunista, cuya parquedad podía abrir paso a otras lecturas y a más de un desenlace. El logro de 1956, dirigido por Don Siegel, fue homenajeado por Philip Kaufman en 1978 en uno de los mejores remakes de la historia, montándose en la misma estructura básica, pero ampliando la mirada a una ciudad más grande y enfocando el temor en la decadencia de la contracultura y en lo que sería la oleada conservadora que llegó en los 80. Joyas absolutas, las dos.

Un western que sigue siendo tal, porque transcurre en una tierra maldita que condena a la gente a una eterna repetición de errores y violencia. Un noir sin mujeres fatales, sino con dos parejas asimétricas de hermanos que se persiguen entre sí, adornados por unas gárgolas extrañas y a veces divertidas que son los habitantes del oeste de Texas, esa tierra maldita que te expulsa y si no, te tuerce. Y la luz, puesta ahí para que los ojos se vean más verdes y azules, para que la piel blanca se vea más roja, por la sangre que tarde o temprano se va a derramar. Una perfecta cinta de género donde coinciden un buen guionista y un buen director, muy superior a cualquier otra cosa que hayan hecho por separado.

¿Qué hace una cineasta trasplantada desde China filmando a un vaquero de la nación Lakota, a su familia, a sus amigos y a su mundo; un mundo que se desvanece, después que él sufre un grave accidente y ya no puede volver al rodeo, a los caballos, a su pasión? Fascinante entramado de ficción con documental, The Rider -segunda cinta de Chloe Zhao- es una suerte de heredera natural de las certezas acumuladas por cineastas como Terrence Malick y Abbas Kiarostami, pero puestas al servicio de una historia que, sin buscar extraer grandiosidad, acaba encontrándola al observar atenta procesos que han venido repitiéndose de tiempo inmemorial: la relación del hombre con su entorno, con los animales y con su propia conciencia de ser.

El coreano Bong Joon-Ho tocó el cielo al ganar Cannes 2019, tras desatar la esperable euforia que sigue a una cinta de género prácticamente perfecta y que además pega donde duele. La comedia negra vertiginosa da paso al thriller y de ahí al drama grotesco con toques de terror ante una prosperidad deshumanizada y bastante cruel con los que se quedaron literalmente abajo. Sin embargo, la verdadera obra maestra de Bong se estrenó hace una década, bajo la forma de una historia de detectives donde el detective es una madre que se consume en el proceso hasta terminar explotando. De esto y más hablamos en el podcast.

#381 Woodstock: 3 Days of Peace and Music (1970), de Michael Wadleigh by Civilcinema

Este viaje al corazón del privilegio no es para reírse del privilegio ni de los privilegiados, al menos no del todo, sino que existe contar una historia de emancipación bajo el disfraz de la vieja dicotomía del drama romántico: dinero vs. amor. Plagada de buenos chistes, diálogos autodetonantes y actuaciones soberbias en sus respectivos rangos, esta película quedó encapsulada en su época por el declive de la carrera de Dudley Moore y por el repentino fallecimiento de su guionista y director.

#379 Peppermint Candy y el cine de Lee Chang-dong (1997-2002) by Civilcinema

Lo que iba a ser una denuncia incendiaria contra el poder establecido y su simbiótica relación con la violencia y el caos... fue encapsulada en el delirio de un loco, en una seguidilla de vueltas de tuerca que asombraban al espectador y que dejaban finalmente un sabor ambiguo respecto de las intenciones del conocimiento y el poder encarnados en el doctor Caligari. En su Alemania de origen no generó gran cosa, pero en Francia y Estados Unidos se percataron de inmediato de su afiebrada originalidad y de su capacidad de hacerse memorable por aquello que no se mueve y que no habla. Décadas después, fue reconocida como la primera cinta alemana en anunciar la pesadilla que asoló ese país. De eso y más hablamos en el podcast.

En el papel -y en el mito cinematográfico- Black Narcissus es uno de los grandes filmes en la primera década de las producciones en color y el ejemplo por excelencia de la cinta de suspenso con tensión erótica, pero esta historia acerca de un puñado de religiosas británicas que viajan a los pies del Himalaya para hacerse cargo de un abandonado harem de la era de los Maharajas, es mucho más: un relato sobre la decadencia imperial, los riesgos de la transculturización, el poder de los arquetipos, la mirada femenina y la consagración definitiva del dúo Powell-Pressburger. De eso y otras cosas hablamos en este podcast.

Un grupo de obreros alemanes van a realizar una obra a Bulgaria. ¿Qué puede salir mal? Depende. Siempre está la posibilidad de que este extrañamiento sea una excusa para la desinhibición. Siempre está la posibilidad de que no todos los obreros asuman la experiencia por igual. Con algo de pulso documental y sin actores profesionales, la cineasta apela a recursos mínimos para aludir al rol de Alemania en Europa del Este (como Toni Erdmann, de Maren Ade, productora de Western) y también para perfilar a un personaje enigmático que paulatinamente sale de las sombras para los espectadores y para él mismo.

Con una extensa carrera como crítico, programador y documentalista, Kent Jones llegó a la ficción relativamente tarde y -lo más probable- después de un largo período de reflexión. Eso es lo que salta a la vista al mirar Diane, su notable largo debut: un drama hecho a la medida de su actriz protagónica (Mary Kay Place), pero que sobre todo pretende dar cuenta del eclipse, de la extinción de lo que alguna vez se llamó "contracultura", la enorme energía creativa desatada de los 60 en adelante por la generación de posguerra. Jones no es el único que ha revisado este fenómeno en clave de requiem -ahí están los ejemplos de La La Land, Logan y First Reformed-, pero su acercamiento es único, ya que no precisa de cintas fílmicas, referencias o guiños a la cultura pop. Diane es una película acerca de la desintegración familiar, el quiebre de los lazos, el envejecimiento, la soledad y la muerte de un mundo (sin la seguridad de que será reemplazado por otro). De eso y más se habla en este podcast.

Kevin Smith se ganó un lugar en el corazón y el presupuesto del (entonces)todopoderoso Harvey Weinstein, con un microcosmos suburbano y provinciano en New Jersey, poblado de jóvenes flojos, marihuaneros, saturados de cultura pop y –sobre todo– haaaarto parlanchines. Sus dilemas y sus cuitas no eran necesariamente originales en un inicio, pero sí la frescura de las situaciones en que se desenvolvían, lo que evolucionó hacia otros lados: más interesantes artísticamente, pero que en la taquilla no funcionaron... y nunca más lo volvieron a hacer. Este podcast es una especie de recuento del martirologio de Kevin Smith.

Considerado heredero natural del legado de Tarkovsky, el ruso Andrey Zvyagintsev se ha pasado la última década expandiendo magistralmente su lenguaje hasta independizarse casi por completo de la larga sombra del maestro. En ese viaje, iniciado con Elena (2011) y luego continuado con Leviatán (2014), Nelyubov -literalmente, "no me gusta"- viene a ser el golpe de gracia de un persistente y descarnado esfuerzo por dar cuenta de los avatares de la Rusia contemporánea, contenidos esta vez en el atroz relato de un niño que desaparece de un hogar en el que nunca fue querido. Conminados a buscarlo, sus padres no tienen otra que enfrentar la raíz de ese desamor, sus deseos de nunca haberlo tenido y la perspectiva de unas vidas separadas en las que él siempre será un fantasma. De eso y de otros dolores, hablamos en esta podcast.