Podcast De La Gran Evasión

La alegría, el estilo y el poder visual del maestro Minnelli hacen de The Band Wagon (Melodías de Broadway 1955 en España) uno de los grandes films de la historia del musical. El protagonista se baja del tren y nadie espera al antes aclamado astro de Hollywood. Pasea por un Broadway diferente, en el que triunfó, un Fred Astaire otoñal y perfecto pregunta al dueño de un puesto de perritos calientes donde está la fachada de aquel teatro con solera que parece haberse tragado la tierra. Y aún así, nunca hubo máquinas recreativas con más encanto, ni un limpiabotas con más sentido del ritmo en la famosa avenida de los sueños. Tony Hunter representa el musical clásico. Astaire se interpreta a sí mismo, con sus zapatos brillantes, su elasticidad única y su elegancia. En el rodaje de la película mostró cierta inseguridad con el coreógrafo Michael Kidd, no se sentía seguro con los pasos que en ocasiones le exigía, así de nuevo se funde la ficción con la realidad. El complejo del personaje de Astaire hacia la joven e

Buenas y lluviosas noches, suena una hermosa melodía con aire irlandés y retumban los disparos del amor fraternal… Hoy recorremos un carretera perdida hacia un lugar que no aparece en los mapas, situado en el corazón de un padre, luchando por el alma de su hijo: Camino a la Perdición de Sam Mendes, estrenada en 2002. Retomamos el cine de Gánsters, revisado y revisitado con amor y profundo respeto por Sam Mendes; El director británico narra esta historia de padres e hijos, de mafiosos irlandeses, de gánsters de abrigos negros y metralletas relampagueantes; entre alcohol y traiciones, entre ambición y sangre, entre venganza y dolor…siguiendo los evocadores acordes de Thomas Newman. Paul Newman, Tom Hanks, Daniel Craig, Jude Law, Tyler Hoechlin, Jennifer Jason Leigh, Stanley Tucci... Un reparto soberbio para contarnos esta emocionante y estilizada historia de remordimientos y de redención. Basada en una magnifica novela gráfica, Road to Perdition, escrita por Max Allan Collins e ilustrada por Rich

Subir al cielo en un globo primitivo, fabricado de remiendos y de jirones. La tenacidad del diferente, abocado a la caída y aún así, volará por unos momentos en el firmamento, por encima de un mundo inhóspito. El cine de Tarkovsky discurre desde el más nimio detalle, unos pinceles, una rama, un cuenco de leche, a lo inabarcable, a la planicie infinita en la que se pierden los tañidos de una campana ante unas gentes desperdigadas en el paisaje. El arte sería inútil si el mundo fuera perfecto, si no lo necesitara para sublimar la existencia. Esta idea subyace en Andrei Rublev, sencillo y colosal a partes iguales. Tarkovsky busca expresar la profundidad de forma sencilla, sin manierismos y manteniendo el misterio, a la manera de un Haiku japonés o un icono ruso del siglo XV. Planos secuencia, planos circulares, planos cenitales desde arriba imponentes, para captar la grandeza de unas tierras tan vastas como las de la Madre Rusia. Tarkovsky proyecta cada momento del film con minuciosidad. Sabe recrear trozos de

Un nuevo asalto de la Gran Evasion, Los violentos años 20, The Roaring Twenties (1939). Una obra imprescindible de un director imprescindible, Raoul Walsh, uno de los grandes tuertos del cine, paradójicamente, sus miradas son las más profundas… Los Violentos años Veinte relata y retrata las vicisitudes de la primera mitad del siglo 20, con la prosa de Mark Hellinger, y las colaboraciones extraordinarias de Robert Rossen, Jerry Wald y Richard Macaulay, en el guión. Una historia, a la medida de la fuerza interpretativa del animal de la pantalla, que era James Cagney, dando vida aquí a Eddie Barlett; secundado por el Bogart mas oscuro, George Hally; El contrapunto femenino es simplemente magistral, la belleza y la inocencia de Priscilla Lane, Jean Sherman; y el cinismo gastado de Gladys George en la piel de la inolvidable Panamá Smith. Simples supervivientes, en una jungla de asfalto que huele a humo, a desesperación y a licor. Walsh fue alumno aventajado de David Wark Griffith, su talento es legenda

La noche se cierne en torno un caso difícil. Una adolescente se ha escapado de casa y le da por intimar con antiguos amantes de su madre, una actriz retirada que pasa las horas muertas bebiendo ginebra junto a la piscina de su casa. Con referencias al detective clásico Sam Spade, Harry Moseby no parece tan seguro de si mismo como el creado por Dashiel Hammett. Gene Hackman sabe transmitir a la perfección el naufragio de un exjugador de fútbol americano en crisis, con un trauma de infancia detrás . Un investigador embaucado por su supuesto amigo, por sus clientes, incluso por su mujer. Enrevesada y poblada por personajes frustrados, con una desgana vital extendida al estado de ánimo derrotista de la sociedad americana de los años 70. En un momento de la película, Paula -Jennifer Warren-, una mujer equívoca, desubicada, como todos los seres de este film, le pregunta a Harry donde se encontraba cuando mataron a Kennedy. ¿Cuál de los dos?. Harry da tumbos y hace suposiciones ante los reflejos de una realida

Mediante distintas versiones del mismo hecho, asistimos a la narración de dos presuntos delitos, un asesinato y una violación. Ya en la primeras palabras del leñador se nos está manipulando la realidad, ni los muertos tendrán credibilidad en un historia con varias interpretaciones, todas contradictorias. Un monje, un vagabundo y un leñador se guarecen de la lluvia en las ruinas del antiguo templo de Rashomon. Arquetipos de un cuento moral, basado en dos relatos de Ryunosuke Akutagawa, “En el bosque” y “Rashomon”. El monje no quiere aceptar la crueldad y al egoismo del ser humano, si todo el mundo miente, el mundo será un infierno. Y aún así, ¿quién dice la verdad y quién no?. Nadie sabe con seguridad si el marido samurai fue asesinado por el ladrón, por el leñador, por la mujer, o él mismo se quitó la vida. En el juicio, con confesiones a cámara de los testigos, al fondo del jardín de piedra permanecen hieráticas dos figuras, el leñador y el monje budista irán escuchando las decl

De acuerdo con patriarcas del cine como Eisenstein y Griffith, la literatura de Charles Dickens tiene mucho de cinematográfica, se pueden transponer al medio fílmico sus personajes enfáticos, sus arquetipos, las situaciones dramáticas, las narraciones paralelas de sus novelas, sus minuciosas descripciones, y su denuncia del poder de las instituciones ha funcionado como inspiración en numerosas ocasiones para el cine. David Lean supo despojar de hojarasca dos de sus obras capitales, Grandes Esperanzas (“Cadenas Rotas” se llamó el film por estos lares), y Oliver Twist. El film narra las azarosas experiencias y desventuras de un niño huérfano en la Inglaterra del Siglo XIX. Un inicio gótico y brillante, una mujer encinta busca refugio para dar a luz bajo la tormenta en plena noche, el juego de luces y sombras, los relámpagos, y los primeros planos sobre el rostro de la actriz Josephine Stuart sobrecogen, a continuación, la madre recién parida y enferma da el primer y último beso al bebé. Un fabuloso

Un día como otro cualquiera, amanece y el rugir del mundo nos devuelve muerte y vida a partes iguales; nos perdemos en los azarosos caminos de 21 Gramos, la magnifica obra de Alejandro González Iñarritu, estrenada en 2003. Una película que lleva la sensibilidad hasta el extremo, tan dura y dolorosa, como nuestra propia y fútil existencia. Historia cruzadas que se entrelazan en el dolor y en la perdida, en el amor y en la empatía; con cada uno de nuestros pasos, se mezclan y se confunden las huellas de los que nos rodean. Paul se muere, su corazón no resiste mas, un matemático, un profesor universitario, ya sabemos que las matemáticas son las reglas De Dios…un hombre descreído del mundo y del amor. Su relación personal va a la deriva, el azar le tiene reservado un corazón, una segunda oportunidad, pero no sabe ni puede seguir adelante sin mas… Jack es un alma descarriada que ha encontrado la salvación en Jesus, uno de tantos. Uno de esos seres invisibles que sobreviven en los márgenes de la so

Bienvenidos a una nueva sesión de vuestro programa de Cine, La Gran Evasión. Esta noche nos enfrentamos al psicokiller por excelencia, tenemos una cita con Haníbal Lecter y con la joven agente Starling, en El Silencio de Los Corderos, la obra maestra de Jonathan Demme. El Silencio de los Corderos fue un impacto visual y emocional, que cambió para siempre el terror psicológico y el cine sobre asesinos en serie. Una obra hipnótica, fascinante, que te envuelve con una atmósfera hostil y oscura. La aparición de Lecter es antológica, Anthony Hopkins, con apenas 25 minutos en pantalla, compone uno de los personajes mas atractivos de la historia del cine. Le valió un Oscar y su personaje pasó, inmediatamente, a formar parte de la memoria cinéfila de cada uno de nosotros. Un antihéroe, un malvado que el publico adora, un doctor en psiquiatría, un caníbal, un erudito, una abominación, un ser inquietante, un monstruo… tan atractivo como aterrador. El contrapunto de Lecter es otro gran personaje, la joven agente de

Bienvenidos a un nuevo episodio de La Gran Evasión. Esta noche, nos topamos con alambradas, con terratenientes que quieren esquilmar la tierra y con un hombre, libre e independiente, que deberá tomar partido; la vida misma, condensada en un Western del maestro King Vidor: La Pradera sin Ley (1955). Fantástico guión de Borden Chase, uno de los mas grandes escritores del western; relatos profundos, para mostrar la vida y la sociedad del momento, a través de la alegoría del Western. La historia es una aventura, que nos sirve para repasar los movimientos socio económicos y vitales de los años 50, con la figura de Dempsey Rae, magnifico Kirk Douglas. Un tipo afable, solitario, independiente, que viaja libre y sin armas; su silla y su sombrero son sus únicas posesiones. Huye de las alambradas y de la violencia, huye del pasado. Dempsey es el paradigma del hombre independiente, vagabundo por convicción, una estrella errante que servirá de referencia y enseñanza para el joven y atolondrado, Jeff (William Campbell

Existe una maldad que no se puede explicar, virulenta, terrorífica, y los seres humanos son los únicos animales que la poseen.” Ingmar Bergman Andreas vive como un ermitaño, retirado de la vida social, alejado de su pasado, de un matrimonio roto y una serie de problemas legales que le han llevado a prisión en una corta condena. Pasa sus días y sus noches en medio de un entorno bucólico y luminoso, de soledad buscada, en la isla de Faro. Los tonos neutros, grises y ocres de la fotografía de Sven Nikvist envuelven unas existencias a la deriva, seres que quieren amar, rehacer sus vidas, más allá de las mentiras, las encrucijadas y las tendencias autodestructivas de cada uno de ellos. Andreas saluda a Johannes, el hombre solitario y enfermo que apenas puede realizar sus labores diarias porque le cuesta respirar, será acusado de maltratar con sadismo a los animales de la zona, linchado injustamente ya que es inocente, el transversal personaje interpretado por Erik Hell, tan víctima como las ovejas degol

La bestia debe morir, el hombre muere también; sí, ambos deben morir. Eclesiastés, 3, 19. La muerte súbita de un hijo en edad temprana es uno de los golpes más duros que la vida puede asestar. Si eres un hombre viudo, con posibles, lo que sobra es tiempo y paciencia, desde el día en que su hijo fue atropellado por alguien que se dio a la fuga, Charles dedicará su existencia a elucubrar hipótesis, a buscar una aguja que nunca se esconderá en un pajar, encontrar al responsable que se llevó por delante lo que más quería, y matarlo. A Charles le han cambiado los esquemas. Buscar la aleta abollada del coche en todos los talleres de las inmediaciones, tarea de locos, ni la policía se plantea ir peinando la zona sin ton si son, sin pruebas ni evidencias. Y de pronto, una concidencia, un charco de barro, y un lugareño del pueblo dando pistas, hablan sobre una actriz de televisión conocida cuyo coche quedó atascado en el mismo sitio que el de Charles, que iba acompañada por un hombre zafio y malencarado. Poco a poc

A través de una narración fragmentada y no lineal, con saltos hacia adelante y hacia atrás en el tiempo, Takashi Shimizu nos dejó al principio del milenio la versión más conseguida de su obsesiva franquicia, Ju-On, la maldición, la adaptación al formato cinematográfico de sus dos anteriores versiones distribuidas directamente para vídeo. El cineasta japonés, sabe como aterrar al personal, crear una enfermiza atmósfera de espanto . Los correteos del niño, los crujidos, la música de Shiro Sato, y una figura femenina bajando las escaleras, reptando, el pelo negro, lacio y ensangrentado, se contorsiona como una serpiente. Kayako no puede hablar porque le rompieron el cuello, solo emite un traqueteo continuo, es el alma en pena del desván. Shimizu divide el film en segmentos, cada uno iniciado con el nombre de los personajes, Rika, Hitomi, Katsuya...La trabajadora social, dos recién casados, una señora postrada y ausente, tres estudiantes, un comisario que se encargará de la investigación. Un marido violento que

Suena la melodía evocadora de Orff y nos trasladamos a una era remota, a la leyenda y la mitología Artúrica, con Excalibur, dirigida por John Boorman en 1981. Una apabullante apuesta visual que condensa las historias y los relatos del Rey Arturo, de Sir Thomas Malory, otorgando corporeidad al hombre, e insuflando humanidad al mito. Un descomunal trabajo de guion de Pallenberg y el propio Boorman, para dar sentido cinematográfico, para narrar las andanzas de los hombres; cuando la tierra estaba regida por brujas y hechiceros, por caballeros y escuderos, por Reyes y Espadas de poder. Una historia en mitad de una superproducción hollywoodiense y el cine intimista de Boorman, que se apoya en la extraordinaria fotografía de Alex Thomson, para desarrollar un trasunto de ópera Wagneriana; un viaje físico y espiritual, transitando por el verde intenso de una tierra joven y salvaje hasta los ocres crepusculares del final de una era, apenas soñada. Excalibur es vehemente y desproporcionada, una obra excesiva, que

Una camisa tropical, una cicatriz, la mirada desafiante dice que no tiene miedo, ya ha estado en el infierno. Tony Montana acaba de pisar tierras yankies, atrás deja la Cuba de Fidel. El barbudo mandatario inicia el film, en un discurso abre las puertas de la isla a los que quieran salir, es el éxodo de Mariel. Inspirado en el Scarface de Howard Hawks, protagonizado por Paul Muni. El guionista de El precio del poder, Oliver Stone difuminó la neblina de la ciudad de Chicago en las palmeras y el sol de Miami. La ley seca y el contrabando dan paso al narcotráfico, a plantaciones de coca en Bolivia y guerras de poder entre bandas. El equipo de De Palma no pudo rodar los exteriores en Miami. Los exiliados son mostrados como maleantes, sanguinarios sin escrúpulos. Fueron amenazados con parar la película, así que la productora, Universal, decidió rodar la mayor parte en Hollywood, finalizando algunas secuencias en Florida. La banda sonora de Giorgio Moroder encaja con los excesos y la vida loca de Montana, la mús

Esta noche, el tiempo se contrae y se dilata, según los designios del gran manipulador: La Memoria y Christopher Nolan. Nos hundimos en los recuerdos olvidados, pero no perdidos, de Memento. Una propuesta novedosa e interesantísima, Kafkiana, un puzzle temporal y sobre todo, emocional; que el espectador debe encajar, hasta componer las Consecuencias de los actos cometidos. No es fácil manejar esas piezas psicológicas que Nolan esparce sobre la pantalla. Leonard busca respuestas, sobreviviendo a una dolencia terrible, amnesia anterógrada, una enfermedad que le impide retener recuerdos nuevos. Toda una analogía del modus vivendi en el que estamos imbuidos, donde solo importa el ahora, el momento, el instante. Leonard intenta resolver un asesinato, intenta vengar la muerte de su esposa, lidia con un peso enorme e insoportable: la Culpa. Su cuerpo es el lienzo donde dibuja y coloca la pistas, una trama conectada por la teoría de lo hilos, un camino que irremediablemente siempre llega a un punto común: Al inicio

El poder visual del maestro Hitchcock alcanza una de sus cimas con La ventana indiscreta. El mago del suspense dominaba la imagen, el medio, a la perfección, y sabía dar soluciones visuales inesperadas y dignas de un fuera de serie. Una lumbre en la oscuridad de un cuarto, o será el criminal fumando un pitillo en su guarida. Un fotógrafo cojo, unos prismáticos y más tarde, un teleobjetivo para poder apreciar mejor que ocurre allá fuera.. Enorme James Stewart. Protagonista y voyeur de una sospecha. Algo raro está ocurriendo en el patio de enfrente. El guion de John Michael Hayes , basado en el relato original de Cornell Woolrich, se mueve entre dos aguas, por un lado el posible crimen, y en otro la relación sentimental entre el impedido fotógrafo con pierna en cabestrillo, y su novia, - imponente Grace Kelly-, una mujer de una pieza, modélica, quizá demasiado. Será Lisa la que decida intervenir en la investigación jugándose la vida, y así ganarse la admiración del periodista. El convaleciente prefiere fisgar

Hoy nos visita un viejo y olvidado Director, el gran René Claire, con una pequeña joya, Viva la libertad. Una obra imprescindible, amable, inocente, luminosa y divertida; precursora y referencia innegable de la obra maestra de Chaplin, Tiempos Modernos. Viva la libertad es de 1931, como su titulo indica, es todo un canto a la libertad en letras mayúsculas, un bello gesto reivindicando el libre albedrío, el amor, y sobre todo, la amistad. Una visión pura e inocente sobre la propia vida. Un historia sencilla, cine a medio camino entre el slapstick, el cine mudo, el vodevil y el incipiente cine sonoro. Con una estructura narrativa que mezcla canciones y diálogos; situaciones que van desarrollando esta pequeña gran historia, con la entrañable banda sonora de George Auric. René Claire es un director a reivindicar, de obra ecléctica, con incursiones sobresalientes en Hollywood, no muy bien tratado por la Nouvelle Vague. Viva la Libertad desprende ese aroma a Buster Keaton, a Harold LLoyd, a Oliver y Hardy, al ma

Bienvenidos a un nuevo episodio de La Gran Evasión, hoy estamos a vueltas con la fe, con la misericordia, con el hombre y su dialogo sordo con la religión, nos visita Nazarín, del grandísimo Luis Buñuel. Don Nazario es un hombre integro, con convicciones cristianas inquebrantables, su vida gira en torno a las enseñanzas del hijo del carpintero. Vive tal y como predicó Jesucristo, en sus palabras y en sus actos; una entrega completa que se torna subversiva para el poder y para el pueblo. Su existencia es una dádiva para los pobres, para los hijos de Dios, un hombre camino de la santidad o la locura.... Interpretado, portentosamente, por Paco Rabal. El Méjico de principios del siglo XX le sirve a Buñuel para trasladar la obra de Benito Pérez Galdós; el Madrid galdosiano, realista y evocador, se convierte en los míseros pueblos mejicanos. En Nazarín, el genio y la provocación de Buñuel, llevan a su terreno, a su mundo onírico y surrealista, las andanzas de este hombre, que transita por un país empobrecido, l

En este entretenido policíaco, dirigido con buena mano por el francés de origen armenio Henry Verneuil, un lobo solitario se las arregla para huir de un furgón policial en pleno traslado, ayudado por una familia de sicilianos, los Malanese, a cambio de una información privilegiada. Sartet esconde en el forro de su chaqueta el plano del sistema de seguridad de una exposición de joyas en Roma. Siguiendo los pasos del asesino de dos de sus hombres, el comisario Le Goff habrá escogido un mal día para dejar de fumar, hasta que la tensión y la rabia le obliguen a encender el maldito cigarro. Alain Delon, Jean Gabin y Lino Ventura juntos otorgan categoría al film inspirado en la novela del escritor de Rififi, Augute Le Breton, José Giovanni, referente del género, y Pierre Pelegri adaptan el libreto, y en la fotografía, otro ilustre, Henri Decaë, que supo insuflar aires del Polar a la intensa trama, de la música se encarga el gran Ennio Morricone. Los giros del argumento y el ritmo sin concesiones no permiten quit