Civilcinema

Jean Cocteau fue dramaturgo, escenógrafo, poeta, dibujante, cineasta y unas cuantas cosas más, y volcó buena parte de ese bagaje en esta película. Montada sobre un relato moral¡zante del siglo 18, Cocteau le dio un giro leve y significativo hacia la observación psicoanalítica y hacia mitos aun más viejos. Hacia el viejo arte de los frescos en los cielos y los nuevos recursos que el cine ofrece para expresar lo sublime. Hacia el pasado y hacia el futuro. De eso y más hablamos en el podcast.

En algún momento, Wim Wenders se fue al diablo con sus ficciones. Sus documentales sobre otros artistas mantienen una inquietud y un vigor que las ficciones perdieron hace tiempo, y el comienzo de la debacle fue Hasta el fin del mundo. Lo paradójico es que esa película culmina pero también exacerba lo bueno y lo llamativo de dos colosos anteriores: uno estadounidense montado sobre The Searchers; otro genuinamente Europeo y volcado por igual al pasado y al futuro. De eso y más hablamos en el podcast.

No es claro que J.C. Chandor sea un autor y menos aun que quiera serlo. Sus tres películas son bastante distintas entre sí, y las tres parecen porosas a la influencia de otras fuerzas e intereses, pero siempre con un resultado positivo y atractivo para la abandonada audiencia adulta. Empezamos con la crisis subprime, seguimos con una fábula a lo Hemingway y terminamos con la historia de un obsesionado con su propia historia. De eso y más hablamos en el podcast.

Alex Gibney es un documentalista prolífico y versátil, capaz de cubrir con discreción, rigor y múltiples recursos una gran variedad de temas, exponiendo historias cada vez más complejas y –lo más importante– con personajes cada vez más fascinantes. En el caso particular de los documentales nombrados, y de otro dedicado a la cientología, tenemos tres historias genuinamente americanas, en torno a los personajes que lo quieren todo, culminando siempre con la imposición del mito de su triunfo. A veces resulta, a veces no; y en el proceso Gibney pinta semblanzas vívidas y muy poco comunes en el cine actual. De eso y más hablamos en el podcast.

Desde fines de los 60 y durante toda la década de los 70, la realizadora belga Chantal Akerman expandió el universo de lo filmable a través de diversos experimentos audiovisuales. La sórdida geometría de un hotel mudo y celador de sus pasajeros; la mirada asombrada de Nueva York que no sabemos si es un recuerdo o la imaginación de una madre ausente; la historia de infancia, adolescencia y juventud de una hablante que es la propia realizadora... y al centro de todo ello está el vórtice llamado Jean Dielman, y sus reflexiones sobre el tiempo, el espacio, el montaje, la sujeción de las mujeres, la sexualidad y la vida urbana, entre otros tópicos. De eso y más hablamos en el podcast.

El cineasta austriaco G.W. Pabst saltó del teatro al cine, y lo hizo en Alemania con un cine que pasó por el lado del expresionismo de los años 20, para enfocarse tanto en el realismo crítico como en el drama psicológico. Las dos películas de las que hablamos hoy encarnan esta mixtura, teniendo como punto focal a la actriz Louise Brooks, cuya interpretación desenvuelta, extrema y sumamente versátil para encarnar a dos personajes muy distintos, la convirtió en un icono que proyectó su sombra hasta bien avanzado el siglo 20. De eso y más hablamos en el podcast.

La mirada perdida, aturdida e inocente del protagonista Milos no cuadra con la locución en off con la que este personaje se presenta a él mismo y a la película que protagoniza. Esas líneas mordaces no cuadran con el animalito cuya impavidez natural se ve turbada por las hormonas aceleradas en un contexto bélico y de ocupación nazi, es decir, amoral hasta la médula. Milos se hará hombre y en el proceso se dejará arrastrar por otras fuerzas, como después pasó en mayo del 68 y acá en Latinoamérica. De eso y más hablamos en el podcast.

Aardman se equivoca poco, y cuando lo hace tampoco se nota tanto ni termina de desmerecer obras movidas por la buena intención, la exaltación de la solidaridad y -por sobre todo- del trato digno a los animales. Dotadas de guiones apretados y eficaces (dada la ardua tarea de hacer stop-motion con plasticina), las películas de este estudio británico equilibran las historias directas y reconocibles con la complejidad técnica y un humor esencialmente blanco, pero no carente de mensajes humanitarios y políticos. La cinta con la oveja Shaun tiene mucho de eso pero también se aparta un poco, y de eso y más hablamos en el podcast.

El cineasta ruso Aleksei German pensaba al revés y filmaba al revés. Ignorado, incomprendido y censurado por el Estado soviético, primero, y por el mercado capitalista, después, se atrevió a filmar lo que le dio la gana: películas sin tramas aparentes y con una puesta en escena donde todo se mueve, se mezcla y explota, como en la mirada de un niño asustado ante un caos absoluto. Una historia semiautobiográfica y una cinta de ciencia ficción fueron las últimas obras de este artista único y capaz como pocos de estampar imágenes y sensaciones en la conciencia de un público que ya no necesita entender. De esto y más hablamos en el podcast.

Estas películas supuestamente son las últimas de los colosos de la animación Takahata y Miyazaki, los pilares del estudio Ghibli. Los temas, tramas e imágenes de estas cintas hacen creíble un posible final de sus carreras y de su estudio, pues la muerte y la expectativa de la muerte tienen un rol importante por sí misma como catalizador de un balance acerca de lo obtenido y lo sacrificado en ese lapso indescifrable que se suele conocer como vida. De eso y más hablamos en el podcast.

El manido subgénero de las comedias adolescentes da acá varios giros brillantes que convierten esta película y un ejemplo de las cintas de gratificación: pone el ojo y la mirada en una protagonista disruptiva que destruye un orden social a su pesar; la antagonista es emblemáticamente carismática; la fauna de adultos -que rodea esta historia de un golpe de estado en una escuela secundaria- aporta variedad y diversas dosis de patetismo. Hay más cosas, claro, y prácticamente todas salen de la cabeza de la guionista y actriz Tina Fey. De esto y más hablamos en el podcast.

El "segundo tiempo" de Mad Men se aboca menos a la insatisfacción de Don Draper que a la constatación de su origen: la certeza del personaje de no sentirse amado y de no merecer ser amado. Incólume en esa certeza, Draper es acompañado por sus socios en esa "nave de los locos" que era su agencia boutique, donde todos ellos resuelven sus trayectorias a su manera, pero cambiando. Aunque sea un poco. Don, por su parte, vuelve a nacer (por tercera vez) para seguir siendo el de siempre. De esto, del cambio de década, y de mucho más, hablamos en el podcast. Link de la parte 1: www.soundcloud.com/civilcinema/71-mad-men-2007-matthew-weiner

Este es el primero de nuestros podcast que tiene como invitado al autor de la película por tratar. Con Alberto Fuguet hablamos de Invierno, de sus otras películas, de su documental, de sus libros y de muchas otras películas de las cuales tomó recursos, soluciones, miradas... y algo más. Todo esto compone un mundo creativo y personal, pero que al mismo tiempo es público porque son muchos los que comparten y atesoran esos elementos. De eso y más tratamos -largamente- en este podcast.

La segunda de las tres películas que a la fecha tiene Jeff Nichols, es una fábula de tintes bíblicos que muestra la evolución de la mente de un hombre hacia una vocación profética, tan contagiosa como disolvente. Comparte con las otras cintas el entorno rural donde la naturaleza se entromete siempre, personajes masculinos que no calzan con lo que se espera de ellos, y una ambicioso alcance que contrasta con la aparente modestia de sus medios. De eso y más hablamos en el podcast.

Este es el primer largometraje documental de la dupla compuesta por Carolina Adriazola y José Luis Sepúlveda, tras dos grandes cintas de ficción que se paraban sobre los pies y miraban el mundo con el ojo del documental. Ambas cintas se situaban en la marginalidad o en el trayecto hacia ella, mientras que la cinta que nos ocupa trata de un trayecto hacia el centro: de la ciudad, del país, del poder y de la atención, pero para lograr un fin utópico y con un enorme costo en energía y recursos. Un metáfora transparente del movimiento social del 2011. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta es por lejos una de las mejores películas latinoamericanas de la historia. Así nomás. Discípula aventajada del cine del joven Godard, este ejercicio trasplantado sobre un burgués cubano (que es también un europeo trasplantado) se identifica permanentemente como un artificio mientras oscila entre la enajenación absoluta de su protagonista y los trozos de una realidad efervescente que este no es capaz de compartir ni entender. A veces hablando con la distancia de los muertos, esta voz inútilmente lúcida se conoce y reconoce a ella misma mientras va cayendo en la irrelevancia a medida que la situación externa se pone más y más álgida. De eso y más hablamos en el podcast.

Canciones del segundo piso (2000), Ustedes los vivos (2007) y Una paloma se sentó en una rama a reflexionar sobre la existencia (2014), son tres películas que a rato parecen ser una sola que se hizo por entregas. Decimos "parecen" porque en rigor cada una tiene un afán distinto, y un esqueleto de trama propio envuelto en estos gags parecidos a los comerciales con que el realizador, el sueco Roy Andersson, financia su extraña y premiada obra. El pasado nazi, el fin del estado de bienestar y el abandono existencial son algunos de los tópicos de la trilogía y de este podcast.

Arrasó con los Óscar pese a casi no contar con estrellas en el elenco; fue creada a partes iguales por un coreógrafo, un músico, un dramaturgo, un libretista, donde el director de cine del lote (Robert Wise) se dedicó a contener a todos los demás; es un Romeo y Julieta sin adultos, que avanza más en los números musicales que en los diálogos. De estas rarezas y de las razones de por qué es un tesoro del arte estadounidense hablamos en el podcast.

Las tres películas que tratamos en esta ocasión forman parte de un corpus importantísimo en la historia del cine mexicano e hispanoparlante en general. Forjado al alero de los ideales de una revolución que luchaba por mantener su vigencia y su valor, este cine visualmente atractivo, de vocación educadora y popular, proyectó su sombra hacia el sur y también hacia el norte; por ejemplo, exportando a Hollywood a Gabriel Figueroa, uno de los grandes DP de todos los tiempos. De esto y más hablamos en este podcast.

El noble e incomprendido arte de la machaca debe algunas de sus cumbres más excelsas a la imaginación del australiano George Miller, quien se las arregló igual de bien con la pobreza de la industria australiana de los años 80 y con la superabundancia de la producción de Hollywood que acaba de estrenar. En este podcast hablamos de estas dos películas hermanas con 34 años de diferencia, y de los que las une y separa como evidencia de aquello que ha cambiado y de lo que no en el mundo del cine y la cultura en todos estos años.