Civilcinema

El día de la marmota es un clásico sin quererlo, y por esa falta de pretensión se ha ganado la simpatía y el respeto de una generación de cinéfilos treintocuarentones. Y muy merecidamente. A partir de su premisa genial y de un desarrollo inteligente y cada vez más revelador de las complejidades de la vida, tenemos una comedia divertida, romántica y terapéutica que se hace cargo de grandes temas casi por accidente, o al menos eso parece. El otro gran activo de esta cinta es Bill Murray, un gran agujero negro que absorbe energía y que atrae magnéticamente las fuerzas de las películas que participa para disolverlas en nada. O al menos eso es también lo que parece. De eso y más hablamos en este podcast.

En este podcast solemos tratar de una película o de muchas películas, si es que son de un mismo realizador. Por primera vez hablaremos de dos obras de directores distintos, pero hay una buena razón para ello. Son dos cintas británicas estrenadas en la misma época y que se enfrentan con los fantasmas de las guerras pasadas, presentes y futuras, como en el cuento de Dickens. Flirteando visualmente con el periodismo y con el documental, estas películas de Peter Watkins y de Kevin Brownlow (con Andrew Mollo) producen extrañeza, inquietud, horror y no poca desconfianza hacia toda forma de autoridad. De esto y más hablamos en el podcast.

Esta película es un monumento. Por el tema que aborda –el Holocausto judío–; por la forma en que lo aborda –sin imágenes de archivo y sin música incidental–; por el propósito que la anima: explicarse cómo fue posible un exterminio de tales magnitudes a partir de los detalles técnicos e ingenieriles que movieron esta maquinaria macabra. Preguntando por las minucias, Lanzmann llega a grandes respuestas que buscan servir de testimonio de lo atroz, convencido de que incluso lo más infame es prontamente olvidado si no se hace algo al respecto. Un fresco gigante, lleno de historia oral, de relatos y de persona(je)s inolvidables.

Para los que se preguntan de dónde sacó Wong Kar-wai la atmósfera de contención sexual que dejaba a sus personajes como entes suspendidos en el aire; bueno, la respuesta está acá: una película china de 1948, rodada con mínimos recursos, entre el fin de la II Guerra Mundial y el triunfo de la Revolución. Tiene algo de teatro, mucho de teleserie y bastante de gran cine. Bastante. Con sólo cinco personajes y unos cuantos escenarios asociados a cada uno de ellos, se arma una tremenda y sentida historia que tiene un lugar seminal en la historia del cine chino, honkonés y taiwanés. De eso y más hablamos en el podcast.

Se murió Philip Seymour Hoffman. Flor de cagada. Tenía 46 años, y su muerte en estos momentos es como si DeNiro se hubiera muerto a esa edad. La pérdida es incalculable porque este sujeto solía hacer películas importantes, ¿cuántas quedaron en el tintero? Mejor ni pensar en eso. Mejor recordar y agradecer lo que nos dejó, y dentro de ese legado generoso nos vamos con esta cinta de Charlie Kaufman, llena de ambición y de una desmesura. En la cara de Hoffman, esa desmesura desgarra, hunde, cierra puertas y abre otras a lugares todavía peores. Un muestra pequeña de la vida en general.

Esta película ganó Cannes y sin embargo no llegó a la lista corta de nominadas a la Mejor Película Extranjera de los Óscares. Y no llegó porque el Estado francés prefirió no postularla, en parte debido a una seguidilla de escándalos y polémicas surgidas por su poca o mucha fidelidad con el comic original, y sobre todo por las acusaciones de violencia y manipulación hacia su director, Abdellatif Kechiche, de parte de las protagonistas de la cinta. En este podcast, hablamos de las polémicas, pero sobre todo hablamos de los muchos méritos de esta película y de las difíciles cosas que trata de lograr.

Teoría de la mente expandida, singularidad, inteligencia artificial, rapture y varios conceptos más aparecen por primera vez en la larga vida de este podcast. ¿Por qué? Porque Her, de Spike Jonze, se zambulle de cabeza a hablar de temas del siglo 21 desde un humanismo que mira de frente al abismo del posthumanismo para después salir arrancando. Si aparecen todas esas palabrejas es porque en este podcast estuvo invitado Ricardo Martínez, uno de los dos lóbulos de Tercera Cultura, quien le dio un tremendo empujón a la conversación sobre esta película.

Es uno de los grandes clásicos del cine soviético y mundial, una película hecha con el mismo "guión de hierro" de las de Einsenstein pero sobre personajes de carne y hueso. La madre es una versión de la novela homónima de Gorki, y replica varios de los recursos de Griffith para darle amplitud literaria al entonces nuevo arte audiovisual: planos generales alternados con primeros planos, cruces entre las geometrías de la arquitectura moderna e imágenes naturales como metáforas políticas. Todo esto conforma una cinta veloz y muy emocionante. De eso y más hablamos en el podcast.

David Lean se convirtió en un referente cinematográfico por usar las imágenes, los sonidos y la música para mostrar la compleja relación de las historias humanas con los entornos naturales. Las primeras son las que nos interesan y a veces nos atañen, pero son los segundos los que perduran y seguirán estando allí, conteniendo, enmarcando y dando forma a los efímeros dramas de los efímeros personajes que somos nosotros. Esta película muestra la construcción y la disolución de uno de estos personajes, y alude a la imposibilidad de que vuelva a aparecer otro igual. Lo mismo se podría decir de esta película. De esto y más hablamos en el podcast.

No sabemos el peso que tendrá esta película en la filmografía de Scorsese, ni sabremos en el corto plazo el lugar que tendrá en la historia de la industria. Sin embargo, por diversas razones, El lobo... empuja más allá de lo que se creía posible en un entorno crecientemente estandarizado, replanteando si tiene sentido estrenar en cine algo tan largo y tan ofensivo al mismo tiempo, y contestando que sí... si se tiene el poder de hacerlo. El estrellato de la estrella y el Óscar ganado por su director hicieron posible que esta película llegara a las salas y causara una monumental batahola que reactualiza la función pública del cine, sobre todo si se exhibe en cines. De esto (y de muchos spoilers) hablamos en el podcast.

Hal Ashby filmó en los años 70 un corpus cinematográfico vibrante, trangresor y comprometido políticamente. Si bien su obra de culto es Harold y Maude (1971), en Shampoo (1975) y Desde el jardín (1979) exploró más profundamente los cambios de marea en la sociedad estadounidense que hicieron posibles los triunfos de Nixon y de Reagan en sus respectivas elecciones. Interesantemente, ambos trabajos estaban centrados en personajes absolutamente vacíos y en lo que provocaban en los demás. De esto y mucho más hablamos en el podcast.

Al igual que Michel Houellebecq, Shane Carruth llegó al arte de narrar cosas desde una disciplina distinta (la computación y las matemáticas) y se notó. Su primera cinta (Primer, 2004) es algo absolutamente novedoso, fresco y desconcertante, lo que dejó al público con suficiente síndrome de abstinencia para aguantar ¡nueve años! hasta que llegó su segunda película (Upstream Color, 2013). Tienen en común ciertas cosas (en ambas Carruth hizo todo, sí, todo), pero la última entrega va por otro lado. Más cercano a Terrence Malick. De eso y más hablamos en el podcast.

Jem Cohen nació en Afganistán por esas cosas de la vida (y del Imperio) pero su hábitat es Nueva York, una Nueva York que nadie muestra y que tal vez incluso haya dejado de existir aplastada por la ciudad turística e inalcanzable para quienes hicieron que la ciudad fuera lo que es. Cohen creó una estética para el margen, de la ciudad, de la industria musical y de la misma "civilización estadounidense", que se expresa con alguna distorsión "Instrument", obra codirigida y realizada con la banda punk Fugazi. De esto y de muchos otros film,es de Cohen hablamos en el podcast.

Carlos Monsivais dijo alguna vez que las películas de Cuarón, González Iñarritu y Del Toro no eran para nada cintas mexicanas, sino productos estadounidenses para un público global, y cuyos directores eran, de casualidad, mexicanos. Como ejemplo contrastante, el fallecido escritor nombró a un cineasta llamado Carlos Reygadas, que podía gustar o no gustar, pero cuyas películas hablaban de México y para los mexicanos... aunque (y esto no lo dijo Monsivais) desde el alienado y enrarecido lugar de los hiperprivilegiados "güeros" de este país autodeclarado "mestizo". De eso y más hablamos en el podcast.

Ben Affleck debutó como cineasta con el que hasta ahora ha sido su mayor logro. Gone Baby Gone concentra y se sostiene en virtudes tan evidentes, que se eleva como lo mejor del cine estadounidense en años. Su atinada adaptación de la novela de Dennis Lehane, su conocimiento carnal del entorno empobrecido en los barrios bajos de Boston, su gran manejo del género detectivesco y la elección moral que el protagonista enfrenta al final conforman una cinta redonda que supera largamente a incursiones similares de realizadores más consagrados, como Río Místico.

Errol Morris es uno de los documentalistas más prestigiosos y con mayor relevancia pública que existen en la actualidad. Su notable capacidad de producción, la calidad de la evidencia que recolecta y su metódica forma de trabajar, lo han convertido en un cineasta cuya obra suele ser un acontecimiento cívico. En esta ocasión repasamos dos documentales sobre la guerra y sobre la gente que se ensucia con ella, tanto en el alto mando como en las filas.

Las cenizas de una historia de amor son el punto de partida de este relato sobre la degeneración intelectual que lleva a un desastre tan colosal como inevitable. El rumano Christian Mungiu (Cuatro meses, tres semanas y dos días, 2008) vuelve a mostrar personas acorraladas por un páramo inhóspito, tan acorraladas que apenas pueden decidir, y cuando lo hacen, lo hacen mal. De esto y más hablamos en el podcast.

Esto es ni más ni menos que una de las aristas más fascinantes de la historia del Siglo 20. En cuatro capítulos de una hora, el documentalista británico Adam Curtis instruye a sus conciudadanos y al mundo sobre las técnicas de control y manipulación social que han surgido casi como un negocio familiar de Freud, un sobrino y una hija. Todo esto fue plantado en el fértil suelo estadounidense, saltó hacia Reino Unido y... también a Chile. De eso y más hablamos en este podcast.

No sabemos si estas películas de Richard Linklater van a quedar como una trilogía, o funcionarán como el palito que cada nueve años nos dirá la hora en el reloj de la vida de dos personas (o tal vez más). Sí sabemos que el romanticismo de Antes del amanecer (1995) mutó hacia una especie de terapia para reparar una traición (Antes del atardecer, 2004) y que ahora, con Antes de la medianoche (2013) lo que tenemos es un matrimonio aparentemente estable y feliz, pero que debe lidiar con tensiones disolventes que en un comienzo no se ven. De esto, y de la carrera de Linklater, hablamos en este podcast.

La película chilena Miguel San Miguel (Matías Cruz) se parece a Control (Anton Corbijn)no en el sentido de que la plagia, sino de que toma algunas de sus ideas y recursos para traducirlos al insano contexto chileno de los 80, pero sin mistificarlo ni endulzarlo con la nostalgia. Puestas una al lado de la otra, son historias de ascenso y de muerte (en el caso de una de ellas) centradas en jóvenes en proceso de formación y definición de su propio lugar en el mundo, eso sí, dentro de los definidos confines de Manchester y San Miguel, respectivamente. De eso y más hablamos en este podcast.